1993. gadā psihologs Džeimss Katings devās uz Orsē muzeju (Parīze), lai apskatītu Renuāra gleznu "Balle pie Moulin de la Galette", kurā attēloti parīzieši, kuri izklaidējas un tiek uzskatīti par vienu no izcilākajiem impresionisma darbiem. Taču tā vietā, lai apbrīnotu Renuāru, viņš pēkšņi atklāja, ka viņu kā magnētu pievelk audekls blakus istabā: burvīgais, noslēpumainais skats uz sniegotajiem Parīzes jumtiem.
Viņš nekad iepriekš nebija redzējis šo gleznu un nebija dzirdējis par tās autoru Gustavu Kaibotu. Tas viņam lika aizdomāties.
Vai esat kādreiz iemīlējies kādā grāmatā un bijis pārsteigts, ka neatradāt to nevienā lielisko darbu sarakstā? Vai arī staigāt riņķī ap “klasisku” skulptūru, veltīgi cenšoties saprast, par ko ir runa? Ja tā, tad jūs droši vien esat pārdomājis jautājumu, ko Katings sev uzdeva Orsē muzejā. 
Pirmā atbilde, kas nāk prātā, ir tāda, ka daži darbi ir vienkārši lieliski: tie ir augstākās kvalitātes. Gleznas, kas karājas galerijās labākajās vietās, par kurām māca skolā un kuras tiek pārdrukātas grāmatās, ir pierādījušas savu māksliniecisko vērtību, mūžīgas. Ja jūs nesaprotat, kāpēc tie ir labi, tad tā ir jūsu problēma. Tas ir biedējoši skaidrs skaidrojums. Bet daži sociālie zinātnieki turpina uzdot neērtus jautājumus, radot iespēju, ka mākslas kanoni ir vairāk nekā iesaldēti vēsturiski negadījumi.
Kornela universitātes profesors Kattings domāja: vai varētu būt, ka psiholoģisks mehānisms, kas pazīstams kā “pieķeršanās efekts”, darbojās, nosakot gleznu vietu kultūras hītu parādē? Revolucionārā 1968. gada eksperimentā cilvēkiem tika parādīta virkne strauji mainīgu abstraktu formu: dažas formas tika atkārtotas, taču, tā kā tās bieži mainījās, subjekti to nepamanīja. 
Kornelā Katings veica līdzīgu eksperimentu, lai pārbaudītu savu nojausmu. Lekciju gaitā viņš regulāri rādīja studentiem impresionistu darbus – katrs pa divām sekundēm. Šo gleznu vidū bija gan klasiskas, kas iekļautas visās mākslas vēstures mācību grāmatās, gan citas salīdzināmas kvalitātes, bet mazāk zināmas. Šie pēdējie tika demonstrēti četras reizes biežāk. Kursa beigās studenti sāka dot priekšroku tiem klasiskajiem darbiem, savukārt kontroles grupa palika uzticīga klasikai. Katinga audzēkņiem gleznas sāka patikt vairāk vienkārši tāpēc, ka viņi tās redzēja biežāk.
Cutting uzskata, ka šis eksperiments atbild uz jautājumu par to, kā tiek veidoti kanoni. Viņš uzsver, ka 19. gadsimta beigās tikai pieci seši turīgi kolekcionāri iegādājās mūsdienās visplašāk tiražētos impresionistu darbus. Šo cilvēku vēlmes nodrošināja atsevišķu darbu prestižu, kā rezultātā tie biežāk tika izstādīti galerijās un publicēti antoloģijās. Gadu gaitā apstiprinājums ir tikai palielinājies, palielinot ātrumu, pateicoties “lipīguma efektam”. Jo vairāk cilvēku redzēja, teiksim, “Balle Moulin de la Galette”, jo vairāk viņiem tā patika un jo vairāk patika, jo biežāk glezna parādījās grāmatās, plakātos un lielās izstādēs. Un akadēmiķi un kritiķi sniedza zinātniskus skaidrojumus par savu pārākumu. Galu galā ne tikai masas mēdz augstāk novērtēt to, ar ko saskaras biežāk. Kā pareizi atzīmēja tādi mūsdienu mākslinieki kā Endijs Vorhols un Demjens Hērsts, kritika ir cieši saistīta ar reklāmu. "Liepuma efekta ziņā," saka Katings, "zinātnieki neatšķiras no sabiedrības." 
Pirms vairākiem gadiem Vots, Microsoft darbinieks un sociālo tīklu dinamikas eksperts, piedzīvoja līdzīgu pieredzi citā Parīzes muzejā. Nostājies rindā, lai redzētu Monu Lizu tās ložu necaurlaidīgajā stikla vitrīnā ar kontrolētu temperatūru, viņš aizgāja no gleznas, neizpratnē par to, kāpēc tā tika uzskatīta par tik daudz labāku par pārējām trim Leonardo gleznām, kas bija izstādītas iepriekšējā telpā un kuras nevienam nešķita. lai pievērstu vismazāko uzmanību.
Kad Vatss pārlūkoja Cilvēces vēstures lielāko gleznu vēsturi, viņš atklāja, ka Mona Liza lielāko savas vēstures daļu ir nīkuļojusi salīdzinošā tumsā. Piecdesmitajos gados Leonardo da Vinči tika uzskatīts par neko salīdzinājumā ar Renesanses milžiem – tādiem kā Ticiāns un Rafaels, kuru darbi maksā gandrīz desmit reizes vairāk nekā Mona Liza. Tikai 20. gadsimtā Leonardo portrets, kurā attēlota viņa patrona sieva, ierindojās topu pirmajā vietā. Un nevis akadēmiķu jaunais spriedums viņu tur virzīja, bet gan banāla laupīšana.
1911. gadā Luvras apkopes darbinieks izgāja no muzeja ar Monu Lizu, kas bija paslēpta zem kombinezona. Parīzieši bija pārsteigti un sašutuši par gleznas zādzību, kurai viņi līdz šim nebija pievērsuši pārāk lielu uzmanību. Kad muzejs atkal tika atvērts, cilvēki stāvēja rindā, lai paskatītos uz tukšo vietu, kur kādreiz bija karājusies Mona Liza – lai skatītos ar tādu interesi, ar kādu viņi nekad nebija skatījušies uz pašu gleznu. Policija bija neizpratnē. Kādā brīdī uz nopratināšanu tika izsaukts pat nobijies Pablo Pikaso. Bet Mona Liza tika atklāta tikai divus gadus vēlāk, kad laupītājs, itāļu galdnieks Vincenzo Perugia, mēģināja pārdot gleznu Ufici galerijai Florencē un tika pieķerts nedarbā. 
Laikraksti visā pasaulē pārpublicēja viņas reprodukcijas, padarot Monu Lizu par pirmo gleznu, kas saņēmusi starptautisku atzinību. Kopš tā laika viņa ir iemiesojusi visu Rietumu kultūru kā tādu. 1919. gadā, kad Marsels Dišāns vēlējās simboliski iznīcināt augsto mākslu, viņš gleznoja uz La Gioconda kazbārdiņas, kas masu auditorijai tikai nostiprināja viņas kā “lielās mākslas iemiesojuma” (vai “absolūtas pilnības parauga”) statusu. kritiķis Kenets Klārks viņu vēlāk aprakstīja). Visā 20. gadsimtā mūziķi, reklāmdevēji un režisori izmantoja filmas slavu saviem mērķiem, un tā, pēc Vatsa vārdiem, "savukārt izmantoja tos". Perudža nespēja atgriezt Mona Lizu dzimtenē, taču viņam izdevās to padarīt par ikonu.
Maz ticams, ka gleznas unikālo statusu var pilnībā saistīt ar tās izpildījuma kvalitāti (lai gan daudzi to ir mēģinājuši). Viņi saka, ka attēlotās personas acis “seko” skatītājam. Bet, kā sausi atzīmē gleznas biogrāfs Donalds Sassons, "patiesībā šo efektu var panākt, apsverot jebkuru portretu". Dankans Vatss norāda, ka Mona Liza ir tikai vispārēja noteikuma galvenais iemiesojums. Gleznas, dzejoļi vai populāras dziesmas paceļas popularitātes virsotnē un iegrimst tumsā nejaušu notikumu vai preferenču dēļ, kas pārvēršas ietekmes viļņos, kas rit cauri gadsimtiem.
Braiens Ēno reiz rakstīja: "Teikt, ka kultūras objektiem ir vērtība, ir tas pats, kas teikt, ka telefoniem ir sarunas." Gandrīz visi kultūras objekti, ko mēs patērējam, nonāk pie mums jau aprīkoti ar iepriekš noteiktu novērtējumu; mūsu preferences kaut kādā ziņā vienmēr ir svešas. Monas Lizas skatītāji zina, ka ierodas, lai apskatītu pasaules izcilāko gleznu, un aiziet no tās dabiskā apbrīnā vai vīlušies. 
Kolumbijas universitātes sociologs Šamuss Kāns uzskata, ka mūsu definīcija jēdzienam “lielisks” ir tikpat lielā mērā atkarīga gan no statusa, gan no objekta mākslinieciskās vērtības. Viņš norāda, ka 19. gadsimta Amerikā robeža starp “augsto” un “zemo” mākslu bija tikko saskatāma. Tērauda magnāta ideja par izklaidējošu vakaru varētu ietvert gan operdziedāšanu, gan žonglieru uzstāšanos. Taču 19. un 20. gadsimta mijā bagātie tika ierauts cīņā par statusu, cenšoties apliecināt savu pārākumu pār augošo vidusšķiru. Tāpēc viņi sāka sevi definēt, izmantojot šaurāk definēto “augstās mākslas” jēdzienu. Kastītes iegāde operā vai impresionistu kolekcionēšanas sākšana – tie bija veidi, kā nostiprināt savas pozīcijas klanā.
Lai gan stingrais mākslas dalījums augstajā un zemajā 60. gados izgaisa, mēs joprojām izmantojam kultūru kā identitātes marķieri, kaut arī ne tik viennozīmīgi. Pašreizējā eklektisma mode - "Es klausos Bahu, ABBA un Jay Z" -, pēc Khana domām, ir jauns veids, kā buržuāziskās bohēmas pārstāvji norobežojas no sabiedrības zemāko slāņu "šaurajām" vēlmēm.
Šādās situācijās mākslas darba faktiskā kvalitāte sāk šķist tā mazākais atribūts. Tomēr, iespējams, tas joprojām ir nozīmīgāks, nekā atzīst mūsu sociālie pētnieki. Pirmkārt, darbam ir jābūt noteiktai kvalitātei, lai tas pretendētu uz topu augstāko vietu. Mona Liza, iespējams, nav labākā glezna pasaulē, taču tā joprojām tika izstādīta Luvrā un kāda iemesla dēļ. 
Salīdziniet būt vai nebūt, kas ir neizskaidrojams domājošas apziņas iemiesojums, pilns ar šaubām, vilcināšanos un atziņām, ar jebkuru Mārlova vai Vebstera monologu – un Šekspīrs uzreiz nonāk savā līgā. Vats varētu teikt, ka es sevi maldinu, tāpat kā neskaitāmi lasītāji un pētnieki, kuri nonākuši pie tāda paša secinājuma. Bet kāds Šekspīra diženuma skaidrojums būtu pieticīgāks?
Pētījumā, kas publicēts British Journal of Aesthetics, tiek apgalvots, ka “pieķeršanās efekts” dažādās situācijās darbojas atšķirīgi, un piedāvā dažādas atbildes uz jautājumu par estētisko kanonu veidošanās principiem. Balstoties uz Katinga eksperimentu, zinātnieki vairākkārt rādīja divām studentu grupām divu mākslinieku – britu prerafaelīta Džona Evereta Milaisa un amerikāņu populista Tomasa Kinkada – darbus. Kinkades krāsainās pastorālās ainas ir tīrais kičs, sliktas mākslas "zelta standarts". Zinātnieki secināja, ka eksperimenta dalībniekiem Millet sāka patikt vairāk, kā jūs varētu nojaust no “pieķeršanās efekta”. Bet viņiem pamazām Kinkade sāka patikt mazāk. Tas ir, laika gaitā “pieķeršanās efekts” palīdz identificēt talantīgāku autoru.
Sociālajiem zinātniekiem ir taisnība, ka mums ir jāsaglabā zināma skepticisma pakāpe pret lielo un nekad nevajadzētu aizmirst ielūkoties blakus. Pat eksperti var sajaukt lielu mākslu un viduvējību. Bet tāpēc mums ir jāredz – un jālasa – cik vien iespējams. Jo vairāk mums parāda labo un slikto, jo labāk mēs redzam atšķirību. Un eklektiķi to saprata.
- Es zinu, ak. Aleksij, ka uzskatāt, ka jūsu dzeja ir jūsu pastorālās darbības turpinājums, tāpēc jautāšu: kā jūs bez problēmām apvienojat mākslu un ticību? Patiešām, daudzus gadsimtus radošums un reliģiozitāte bija pretnostatīti viens otram, 16. gadsimtā, šķiet, pat tika uzrakstīts pirmais "Dzejas aizstāvība" - D. Bokačo aizstāvēja pašu Danti no uzbrukumiem. Kāpēc radošumu tik bieži “dēmonizē” kulta pārstāvji?
“Šodien mums ir visas tiesības apgalvot, ka mākslas un ticības pretnostatījums lielākoties ir tāla problēma. Jā, katoļu Rietumos attiecības starp mākslu un ticību, zinātni un ticību bieži kļuva ļoti saspringtas. Tajā pašā laikā pareizticīgo Austrumu baznīcas kultūra sasniedza savu augstumu tieši pateicoties laicīgās mākslas pilnīgai iesaistīšanai tās kalpošanā. Piemērus tam redzam ne tikai ikonogrāfijā, baznīcu arhitektūrā, liturģisko piederumu meistardarbos, bet arī literatūrā, īpaši dzejā. Atcerēsimies, ka tieši dzejas, nevis prozas valodā tiek rakstītas daudzas Svēto Rakstu grāmatas, virkne patristisku darbu, nemaz nerunājot par liturģiju, kas grieķu oriģinālvalodā pilnībā pieder poētiskajai. formā. Baznīcas dzejas šedevrus var saukt arī par poētiskās mākslas šedevriem, ja tos vērtējam pēc tīri laicīgiem standartiem (tādā pašā veidā mūsu izcilo ikonu gleznotāju ikonas pat ateisti atzīst par pasaules mākslas šedevriem, nevis tikai baznīcas mākslas šedevriem ). Tā tam ir jābūt. Izrādās, ka dzeja var būt gan izcila pēc laicīgās mākslas standartiem, gan 100% pareizticīga. Viens otram nemaz netraucē.
Es redzu divus galvenos iemeslus, kāpēc garīdznieki dažkārt “dēmonizē” radošumu. No vienas puses, bija un ir daudz talantīgu rakstnieku, kuri skaidri pretstata savu darbu ne tikai Baznīcai, Dievišķajai Patiesībai, bet arī vispārcilvēciskām morālajām vērtībām. Šādi rīkojoties, viņi būtiski diskreditē laicīgo literāro kopienu kopumā. No otras puses, nereti ir tādi garīdzniecības pārstāvji, kuri apņemas kritizēt laicīgo literatūru, nepārzinot šo tēmu pietiekami dziļi. Šādas neprasmes augļi ir ļoti skumji: kritikas karstumā “vainīgie” rakstnieki tiek jaukti ar “nevainīgajiem”, krāsas tiek sabiezinātas, darbos mākslīgi tiek meklēti negatīvi semantiskie konteksti, par kuriem pašam autoram, iespējams, pat nebija aizdomas. .
Vienmēr jāatceras: ja priesteris uzņemas kritizēt kādus literārus darbus vai zinātniskas teorijas, tad pilnīgai kritikai nepietiek ar priesterību un pareizticīgās teoloģijas zināšanām, ir jābūt arī zinošam jomā, uz kuru tiek vērsts viņa pārmetums. Atsevišķu garīdznieku nekompetence šajā gadījumā met ēnu uz visu Baznīcu un grauj sabiedrības uzticību tai.
- Vai varbūt runa ir par radoša cilvēka dziļu brīvību, jo viņš ir pakļauts tikai iedvesmai - tas ir, debesīm? Varbūt tās ir bailes no cilvēku nekontrolējamā radīšanas procesa?
“Mums jāsaprot, ka rakstnieks, īpaši dzejnieks, savos darbos runā par visintīmākajām lietām, izlej lasītājam to, kas notiek viņa dvēseles padziļinājumos. Ja jūs mēģināt prasmīgi noslēpt to, kas notiek dvēselē, tad radošuma augļi zaudēs savu vitalitāti (lai gan rakstniekam ir jābūt zināmam garīgam un morālam filtram). Mēs zinām, ka rakstnieki nav svēti cilvēki un bieži vien pat nav garīgi. Tātad vienmēr ir par ko sūdzēties. Ja paņemsi kādu no mums, ticīgajiem, un atklāsi visu, kas slēpjas tavā dvēselē, tad lielākajai daļai būs kauns. Tāpēc, manuprāt, ir ārkārtīgi neprātīgi literārajos darbos meklēt vainas sīkumos. Noderīgāk ir iemācīties izņemt no viņiem to, kas mums var noderēt. Cita lieta, kad mēs saskaramies ar radošu cilvēku apzinātu un atklātu cīņu pret Dievu, ar atklātu netikuma sludināšanu.
Baznīcas pozitīvajā kritikā par laicīgo mākslu nav vietas bailēm no “radošās personas brīvības”.
— Ko radošums dod jums personīgi?
— Jaunrade māca nopietnāk uztvert savu pastorālo vārdu, un, rakstot poētiskus darbus, es meklēju atbildes uz svarīgiem jautājumiem, kas man rodas gan kā cilvēka, gan ganu priekšā. Turklāt radošums bagātina manu dzīvi ar jaunu pieredzi un tikšanos ar interesantiem cilvēkiem.
— Ko gans mācās no dzejnieka?
“Domāju, ka īstena dzejnieka svarīgākajām īpašībām: atvērtība klausītājam, nesavtīga kalpošana labajam un patiesībai caur vārdu, bezkompromisa attieksme pret ļaunumu, varenajiem un sabiedriskajiem netikumiem – sākotnēji vajadzētu būt katram Baznīcas mācītājam. Manā dzīvē izrādās, ka pareizticīgais pasaules uzskats un ganīšana palīdz dzejniekam, nevis otrādi.
— Ko, jūsuprāt, zaudē sludinātājs, pilnībā atsakoties no mākslas?
“Patiesa māksla paaugstina cilvēka dvēseli un attīsta skaistuma garšu. Ja mācītājs pilnībā ignorē laicīgo mākslu, tad praksē viņš nespēj adekvāti novērtēt baznīcas mākslu. Turklāt viņš var neatrast kopīgu valodu ar vairākiem saviem draudzes locekļiem, kuriem laicīgā māksla un tās sasniegumi dzīvē kaut ko nozīmē. Diemžēl dažreiz tā notiek: mēs ieejam baznīcā un redzam pilnīgu sliktu garšu tās dekorācijā, dekorācijā un gleznošanā - tās ir tiešas sekas estētiskās gaumes trūkumam un laicīgās mākslas likumu neievērošanai starp tiem, kas ir atbildīgi par Dieva nama krāšņums.
"Man šķiet, ka pastāv citas briesmas." Ir, piemēram, radošuma cienītāji, kas to nesaprātīgi kultivē sevī līdz veselā saprāta zaudēšanai. Tas ir tā, it kā viņi pielūgtu sevī radošuma elku. Kā jūs varat apdrošināties pret šo slimību?
"Tikai pareiza cilvēka garīgā dzīve var viņu pasargāt no šīm briesmām." Mēs, pareizticīgie, zinām, ka radošo dāvanu ir devis Dievs. Savienībā ar Kungu ir nepieciešams gan pārvaldīt šo dāvanu, gan palielināt to. Tas Kungs noteikti palīdzēs tiem, kas cenšas saprast, kā virzīt Viņa dāvanas sev un savu tuvāko labā. Un tie, kas cenšas izmantot Dieva dāvanu bez Dieva, tikai pēc saviem ieskatiem, ļoti bieži saskaras ar radošo vai dzīves katastrofu.
— Izrādās, ka radošums var būt kārdinājums, tāpat kā bagātība, vara, spēks, skaistums? Kā pašam pārbaudīt, vai radošā lidojuma laikā galva “nenolīda no pleciem”, vai šis lidojums tika veikts “uz slotas”?
— Radošums pilnībā aptver gan ārējo, gan iekšējo cilvēka darbības sfēru, un tāpēc šajā ceļā ir vēl vairāk kārdinājumu nekā, piemēram, iegūstot bagātību, iemantojot zemes varu un autoritāti. Ja cilvēka garīguma latiņa ir zema, ir ļoti viegli attaisnot jebkuru nepiedienīgu rīcību, kas izdarīta radošuma augļu vārdā. Destruktīvākās kaislības radošam cilvēkam ir lepnums un iedomība, kuru attīstība noved pie savas personības un tās nozīmes cilvēces liktenī pārvērtēšanas, neadekvātas kritikas un autoritātes uztveres. Kristīgā pazemība, vēlme piepildīt Dieva gribu – tā ir garantija, ka radošajā lidojumā gan galva, gan sirds paliek uz vietas.
— Kādas ir dēmoniskas izcelsmes dzejas un mākslas darbu pazīmes? Kāda ir atšķirība starp to ietekmi uz cilvēka dvēseli?
— Māksla no Dieva paceļ cilvēka dvēseli, palīdz nostiprināties labestībā un rast atbildes uz svarīgiem dzīves jautājumiem. Gluži pretēji, dēmoniskas izcelsmes māksla uzmundrina cilvēkā kaislības, sēj viņa dvēselē šaubas par Dievu un augstākajām morālajām vērtībām un noved skumju un izmisuma strupceļā. Svētais evaņģēlijs māca spriest par koku pēc tā augļiem.
— Ko jūs teiktu ticīgajiem, kuri visu daiļliteratūru uzskata par dvēselei kaitīgu un ir gatavi uz sārta sadedzināt pat klasiku?
— 4. un 5. gadsimtā kopš Kristus piedzimšanas Baznīcas svētie tēvi pētīja pagānu literatūru un uzskatīja šo mantojumu par ļoti noderīgu, mācoties izvilkt no tā labāko un noraidīt kļūdas. Tāpēc cilvēks, kurš uzskata pat krievu klasiku par dvēselei kaitīgu, kam viens no pamatiem ir pareizticīgo pasaules uzskats un vispārējās kristīgās vērtības, par savas maldības atmaskotāju atrod svētos tēvus un Baznīcas gadsimtiem seno vēsturi.
— Tēvs Aleksij, tagad visgrūtākais jautājums: kurš ir tavs mīļākais dzejolis?
— Manuprāt, šis ir dzejolis no “Mātes”:
Es - no gādīgām un tīrām rokām,
Aizmirstot par miegu, par ierasto dienu ritējumu,
Jūs mani audzinājāt ar nesavtīgu mīlestību
No mana mazā šūpulīša.
Es ātri uzaugu. Vai viss ir tā, kā vajadzētu?
Jūs turējāties stingri, saglabājot cerības gaismu...
Es nezināju nevienu citu izskatu uz zemes,
Kas mani tik labprāt uzņēma.
Bet, kļuvis par pieaugušo, viņš ir aizņemts ar sevi,
Tev, mans eņģeli, mans gars ir atdzisis.
Par tuvāko, likteņa sūtīto,
Rūpju lokā tikai īsi atcerējos.
Piedod man to grūtā, vētrainā dienā
Es biju tālu un tavas bailes nezināja;
Kāpēc jūs gaidījāt tik ilgi, tik veltīgi
Dzimtas mīlestības vārdi uz lūpām.
Man žēl, ka dzīvoju ar tik maz mierinājuma,
Neglabā manas kļūdas savā sirdī.
Man žēl...
Piedod man par visu, dārgais,
Un atcerieties to Radītāja priekšā savās lūgšanās.
Cik es esmu laimīgs, ka šajā dumpīgajā pasaulē,
Es tevi pazinu no dzīves durvīm
Tas ir pats laipnākais, sirsnīgākais un maigākais -
Pati mana mīļotā mamma.
— Un no citu rakstītajām? Vai ir kāds “svešs” dzejolis, kas tev ir tikpat tuvs kā savējais, vai varbūt pat tuvāks? Kāpēc tieši tā?
— Es sāku rakstīt dzeju agrā bērnībā. Mans pasaules uzskats un attieksme pret dzeju šajā periodā krasi mainījās vairākas reizes, kas nozīmē, ka mainījās arī “mans mīļākais dzejolis”. Šodien par tādu varu nosaukt Puškina dzejoli “Piemineklis”, kurā ir šādas rindas:
Pēc Dieva pavēles, mūza, esi paklausīgs,
Nebaidoties no apvainojuma, neprasot kroni;
Uzslavas un apmelojumus pieņēma vienaldzīgi,
Un nestrīdies ar muļķi.
Šajos dažos vārdos ir ietverts radošuma pamatprincips no pareizticīgo pasaules skatījuma.
— Kas padara darbu par šedevru?
— Šai koncepcijai var pieiet no dažādām pusēm. Manuprāt, darbu var uzskatīt par šedevru, ja tas ir kļuvis tuvs un mīļš plašam lasītāju lokam un ir izrādījies spējīgs mainīt cilvēku dvēseles uz labo pusi, piepildīt ar augstām jūtām un pārdzīvojumiem. Ja ir iepriekšminētais, nelielas literārā darba kļūdas un nepilnības nevar atņemt tam pelnīto pjedestālu. Lai gan, bez šaubām, pacelšana šedevra līmenī paredz diezgan augstu tā autora literāro prasmju līmeni.
Intervēja Svetlana Koppel-Kovtun
Meistardarbs
[shede], -y, m.
1) Viduslaiku Rietumeiropā: priekšzīmīgs amatniecības izstrādājums, kas pēc daudzu pilsētu ģilžu paražām bija jāizgatavo māceklim, lai pierādītu savas profesionālās prasmes un spēju kļūt par patstāvīgu meistaru.
2) Mākslas un literatūras darbs, kas ir izcils pēc saviem nopelniem; meistara paraugdarbs.
Renesanses mākslinieku meistardarbi.
Meistardarba restaurācija pēc vandālisma akta.
Arhitektūras šedevrs.
Poētisks meistardarbs.
Kulinārijas mākslas šedevrs.
Tur [baznīcās un klosteros] šedevri tika pazaudēti, bet daži tika izglābti. Es īpaši lepojos ar Suzdales Dievmāti ( Proskurīns) .
Sinonīmi:
brīnums
3) trans. Unikāls dabas veidojums.
Vai salti raksti uz stikla nav šedevrs?
4) sadalīšanās , jokojot vai dzelzs. Neizteiksmīgs, viduvējs darbs, izskats, neizskatīgs dzīves fenomens utt.
Vai jūs rakstāt vēl vienu šedevru? Nepareizas vadības šedevrs.
Un jo vairāk viņam pašam patika standarta šedevrs [viņa paša pantiņš Gazeta], jo pilnīgāk un mīļāk viņš to varēja lasīt citiem ( Nabokovs) .
Etimoloģija:
No franču šefpavāra d "ûuvre" darbs, meistara cienīgs', 'meistardarbs' ( ← šefpavārs "galva", "priekšnieks", "meistars" un uvre "darbs", "darbs"). Krievu valodā - no 19. gadsimta vidus. Tomēr formā viņa-d "evr- 1806. gada vārdnīcā
Populārā krievu valodas vārdnīca. Skaidrojoši un enciklopēdiski. - M.: Krievu valoda-Mediji. A.P. Guskova, B.V. Sotins. 2003 .
Sinonīmi:Skatiet, kas ir “šedevrs” citās vārdnīcās:
meistardarbs- a, m. šefpavāra darbs. 1. Viņa d evr. Tas apzīmē amatnieka izmēģinājuma darbu, amatniecības un mākslas pieredzi. janvāris 1806. 2. Paraugdarbs. BAS 1. Labākais un sasniegušākais darbs uz pilnību. To izmanto...... Krievu valodas gallicismu vēsturiskā vārdnīca
meistardarbs- Skatiet labāko... Sinonīmu vārdnīca
MEISTARDARBS- labākais šāda veida mākslas darbs, parasti paraugdarbs. Pilnīga krievu valodā lietoto svešvārdu vārdnīca. Popovs M., 1907. šedevrs (franču šefpavārs) 1) viduslaiku darbnīcās paraugprodukts, kas ... ... Krievu valodas svešvārdu vārdnīca
MEISTARDARBS- (franču šefpavārs d oeuvre) ..1) priekšzīmīgs izstrādājums, kas daudzās viduslaiku darbnīcās bija jāizgatavo amatniekam, kas tiecās kļūt par meistaru, lai apliecinātu savas profesionālās prasmes2)] Paraugdarbs ir augstākais... . .. Lielā enciklopēdiskā vārdnīca
MEISTARDARBS- [de], ak, vīrs. (grāmata). Savos nopelnos izcils mākslas darbs, meistara paraugdarbs. Literārā sh. Arhitektūras šedevri. Ožegova skaidrojošā vārdnīca. S.I. Ožegovs, N.Ju. Švedova. 1949 1992… Ožegova skaidrojošā vārdnīca
Meistardarbs- (franču chef d oeuvre) 1) paraugprodukts, ko daudzās viduslaiku darbnīcās prasīja no amatnieka, kurš tiecās kļūt par patstāvīgu meistaru, lai pierādītu savas profesionālās prasmes; 2) priekšzīmīgs darbs - augstākā...... Kultūras studiju enciklopēdija
meistardarbs- un novecojis šedevrs. Izrunāts [šedevrs]. Daži krievu zinātnieki vēl 20. gadsimta vidū deva priekšroku izrunas šedevram, kas vairāk raksturīgs franču valodai, no kuras šis vārds tika aizgūts... Izrunas grūtību un stresa vārdnīca mūsdienu krievu valodā
Meistardarbs- Meistardarbs vai šedevrs (franču šefs d œuvre, burtiski “augstākais darbs”, “darba kronis”) ir unikāls, nepārspējams radījums, augstākais mākslas, meistarības vai jebko citu sasniegums. Par šedevriem visbiežāk tiek saukti darbi... ... Vikipēdija
meistardarbs- īsts šedevrs... Krievu idiomu vārdnīca
meistardarbs- viduslaiku Francijā, sākot ar 13. gadsimtu, šis skaņu savienojums nebija vārds, bet gan vesels izteiciens, kas nozīmēja "audzēkņa izgatavotu izstrādājumu, kas dod viņam tiesības saukties par meistaru". Iespējams, šādi eksāmenu darbi tika veikti Vidusskolas...... Izklaidējoša etimoloģiskā vārdnīca
Grāmatas
- Čestera šedevrs, Vats M., Česteras šedevrs ISBN:978-5-905845-05-5… Kategorija: Bērniem Izdevējs: Diamond Media, Ražotājs: Diamond Media, Pērciet par 157 UAH (tikai Ukrainā)
- Meistardarbs, Miranda Glover, Populārās mākslinieces Esteres Glāsas jaunais projekts kļūst par sensāciju mākslas pasaulē. Kā šedevru viņa piedāvā ... sevi Sotheby's izsolē: nedēļas laikā pēc pārdošanas viņa ... Kategorija:
Laikmetīgajai mākslai nav stingru robežu un kritēriju. Gluži pretēji, tas pārkāpj visas iespējamās konvencijas. Bet kā tad neapjukt tik sarežģītā tēmā kā saprast, kurš mākslinieks ir ģēnijs un kurš vienkārši šokējošas mākslas meistars? Mēģināsim to izdomāt kopā ar Forbes.
Īstam mākslas darbam ir vairāki kritēriji, kurus ir viegli atpazīt.
Inovācijas. Kā zināms, ģēniji ir noteikto likumu pārkāpēji. Mākslu no amatniecības atšķir novatoriskas idejas, oriģinalitāte, svaigs skats pat uz banālām lietām. Tradicionālās klusās dabas un ainavas, kuru kanoni nav mainījušies gadsimtiem ilgi, noteikti ir skaistas, taču ar to nepietiek. Mūsdienu mākslinieks vienmēr cenšas iziet ārpus pieņemtajiem standartiem un atrast jaunus izteiksmes līdzekļus.
Spilgts inovācijas piemērs ir Georga Bazelica darbs. Viņa ekspresionistiskajos darbos ir otrādi. Viņš savu audeklu galvenos varoņus padara par fonu, apgriežot attēlus otrādi. Tieši nemitīgie drosmīgie eksperimenti, uz kuriem varēja uzdrošināties tikai trakais vai ģēnijs, māksliniekam atnesa pasaules slavu.
Georgs Bazelics "Ardievas"
Meistarība- otrā ļoti svarīgā zīme. Mākslai vajadzētu iepriecināt. Jo labāks un sarežģītāks darbs, jo lielāka tā vērtība. Mūsdienās cilvēkus pārsteidz ne tikai ideja, bet gan grūti atkārtojama lieta, kurai ir tērēts daudz laika, darbaspēka, materiālu un naudas.
Piemēram, Aleksandra Kaldera izcilie darbi. Viņa mobilie tālruņi – kinētiski darbi, ko darbina vējš vai elektrība – izskatās pasakaini un bezsvara. Mobilie tālruņi ir ne tikai Kaldera inovācija, bet arī darba, inženierijas un mākslinieciskās domas un augsto prasmju apvienojums.
Aleksandra Kaldera darbu izstādē
Lucio Fontana "Telpiskā koncepcija".
Nozīme. Vienkārši skaista, neparasta, sarežģīta lieta - dizaina objekts. Mākslas darbs pieder pie garīgās kategorijas, tāpēc tam ir jānes noteikts vēstījums un tam ir jābūt dziļai nozīmei.
Lūcio Fontana. Likās, kāda varētu būt grieztu audeklu nozīme? Bet, ja mēs iedziļināsimies, mūsu priekšā izvēršas vesela drāma. Grieztais audekls ir par mākslinieka izmisumu, par krīzi katra no mums dzīvē, par mēģinājumu iznīcināt realitātes audeklu. Fontana rakstīja: “Manas spraugas..., pirmkārt, ir filozofiska izpausme, ticības bezgalībai izpausme, garīgā principa apliecinājums. Kad es apsēžos viena no savām spraugām priekšā un sāku to apcerēt, pēkšņi es jūtu, ka mans gars ir atbrīvots, es jūtos kā cilvēks, kurš ir izbēdzis no matērijas važām, piederīgs tagadnes un mūsdienu nebeidzamajam plašumam. nākotne..."
Interaktivitāte. Ar šo paņēmienu skatītājs kļūst par līdzautoru un aktīvi piedalās radīšanas procesā. Mūsdienu mākslas darbs vienmēr ir sava veida noslēpums, neskaidrība, atklāts jautājums, uz kuru katram jāatbild pašam. Vēl viens interaktivitātes piemērs ir atmosfēras radīšana, kad mākslas darbs burtiski iesūc skatītāju savā pasaulē.
Treisija Emina pasaulei parādīja kaut ko ļoti personisku un intīmu. Treisijas slavenā instalācija “Mana gulta” stāsta par depresijas periodu mākslinieces dzīvē. Tādējādi, skatoties uz šo darbu, skatītājs nonāk Treisijas istabas atmosfērā un kļūst par liecinieku kāda cita noslēpumam.
Treisija Emina "Mana gulta"
Sociālā nozīme. Laikmetīgā māksla izvirza aktuālas sociālas problēmas, dumpo, strīdas, protestē. Tas ir sabiedrības pārdomu veids, spogulis, kurā ieskatās mūsu civilizācija.
Edvards Burtynskis parāda, kā cilvēce veido jaunu planētas modeli. Viņa fotogrāfijās rūpnieciskās ēkas, bīstamie atkritumi, rūpnieciskās konstrukcijas pārtop smalkās mežģīnēs, perfektās un sarežģītās ģeometriskās kombinācijās. Mākslinieks rāda dinamisku dabas un industrijas mijiedarbības ainu. Viņa darbiem ir planetāra nozīme. Pamatojoties uz Burtynska darbu, tika uzņemta satriecoša dokumentālā filma “Ražotās ainavas”.
Edvards Bertinskis, foto no sērijas “Ūdens”. Tjorsas upe, Islande.
Banksijs. Šis mākslinieks apglezno ielu sienas ar aktuālām gleznām, kas asi kritizē sociāli politiskos notikumus pasaulē. Bet Benksijs kļuva populārs ne tikai savas atbilstības un prasmju dēļ. Viņa sienu gleznojumi ir atpazīstami no pirmā acu uzmetiena. Banksy paraksta stils ir trafaretu izmantošana. Pateicoties šai iezīmei, pasaulslavenā mākslinieka darbi atšķiras no vietējo huligānu mākslas. Starp citu, Benksija gleznas, kas klasificētas kā "vandālisms", ievērojami palielina īpašuma vērtību, uz kuras tās atrodas. Daudzi Benksija darbi ir nelegāli, tāpēc mākslinieks ir spiests slēpt savu identitāti.
Daudzi Benksija darbi ir nelegāli, tāpēc mākslinieks ir spiests slēpt savu identitāti
No Reinera darbu sērijas "Nāves maskas".
Psiholoģija- nozīmei tuva zīme. Bet tas ietekmē ne tikai informatīvo, bet arī emocionālo sfēru. Šādi darbi pamodina dziļas emocijas, pievēršas juteklībai, skatītāja zemapziņai. Piemēram, Arnulfs Rainers parāda cilvēka dabas daudzveidību un sarežģītību. Viņa gleznas piesaista un biedē, skarot mūsu zemapziņas dziļos slāņus. Reiners pieskaras tabu tēmām – nāvei, reliģijai – un dramatiski iznīcina visus aizliegumus. Šis radošums vienmēr ir uz vājprāta robežas, uz robežas, ko psihe var izturēt.
Kompozīcijas harmonija. Darba integritāte un pabeigtība ir viens no svarīgākajiem kritērijiem. Mūsdienu mākslinieks atbrīvo savu radījumu no visām nevajadzīgajām lietām, cenšoties to padarīt pēc iespējas precīzāku un kodolīgāku. Piemēram, Dena Flavina minimālisma lampas vienmēr ir harmoniski un maģiski darbi.
Viena no Dena Flavina fantastiskajām gaismas instalācijām
Vienotā valsts eksāmena eseja:
Art. Pasaulē ir milzīgs skaits dažādu žanru, virzienu un autoru gleznu. Taču tikai daži no tiem liek aizdomāties par sevi, par dzīvi un pārdomāt dažus tās mirkļus. Kas padara autora darbu par radītāja šedevru? Atbildi uz šo jautājumu mums sniedz I. Dolgopolova teksts.
Analizējot šo problēmu, autors glezno "Krievijas blāvo skaistumu". “Zelta ganības, zilas ezeru acis, balti akmens gulbji-tempļi” - katra no šīm detaļām palīdz saprast, cik tuvu māksliniekam jābūt savai valstij, vēsturei, cilvēkiem, lai radītāja tīrā, patiesā, pravietiskā balss skanētu “ sasniegtu viņu no gadsimtu dzīlēm” pēcnācēji.
Būtisku lomu tekstam ieņem kontrasts starp “virtuoziem meistariem, kuri apguvuši aristokrātisku zīmēšanas tehniku” un radītājiem, kuru darbi ir ārēji vienkārši, bet piepildīti ar “bez dibena garīgu dziļumu”. Nav nejaušība, ka argumenta beigu daļā parādās izcilo Puškina, Gļinkas, Dostojevska vārdi - tātad I. Dolgopolovs pārliecina lasītāju, ka jebkura radītāja darbā svarīgākais nav “rokraksts, triepiens vai otas vēziens, bet sirds.
Izlasot un analizējot šo tekstu, es sapratu, ka autors vedina lasītāju pie šādas domas: radītāja šedevriem jābūt piepildītiem ar piederības sajūtu Tēvzemei. Publicists nešaubās, ka tikai “mīlestība pret tuvāko un sirds vienkāršība” var mudināt mākslinieku “radīt nezūdošus šedevrus”.
Autora viedoklis man ir tuvs un saprotams. Esmu arī pārliecināts, ka patiesa radītāja darbam ir jāatstāj neizdzēšamas pēdas cilvēka dvēselē un jāpalīdz cilvēkam paskatīties sev apkārt, ieraudzīt tuvumā esošos cilvēkus un izprast viņu problēmas.
Lai pierādītu savu viedokli, es gribētu pievērsties K. Paustovska darbam “Vecais pavārs”. Autore stāsta par aklu, mirstošu vecu cilvēku. Kopā ar varoni mēs piedzīvojam dziļas sirdsapziņas sāpes un gaidām atbrīvojumu no ciešanām. Pārsteidzošā kārtā šis izdevums nāk ar jauna svešinieka mūziku, kas palīdz neredzīgajam atgriezties jaunības dienās, satikt savu mīļāko un redzēt, kā vecā ābeļdārzā uzzied balti ziedi. Lasot Paustovska stāstu, mēs saprotam, ka lielā Mocarta mūzika atstāja tik spēcīgu iespaidu un nomierināja mirstošā cilvēka dvēseli.
Argumentējot savu nostāju, kā piemēru vēlos minēt A. Kuprina stāstu “Granātu rokassprādze”. Stāsts par Veru Šeinu un Želtkovu ļāva pārliecināties, ka Bēthovena sonātei bija ļoti liela nozīme varones attiecībās ar viņā iemīlējušos vīrieti. Kopā ar princesi klausāmies skaņdarbu, kas tika minēts viņas saņemtajā mirstošajā vēstījumā, un jūtam, cik liela ir viņa klusā apbrīna. Skanot akordiem, nāk mūžīgas mīlestības sajūta, kas pagājusi garām, atkārtojoties tikai reizi tūkstoš gados. Šī mūzika ir tik ļoti iedvesmota no Kuprina, ka caur to tiek nodotas Želtkova domas: "Nomierinies, dārgais, nomierinies, nomierinies..."
Art. Lugas P.I. Čaikovskis, V. Vasņecova gleznas, neaizmirstamas Ļ. Tolstoja romānu lappuses - mākslas veids un žanrs nav tik svarīgs kā tas, ka katra dzīvē parādās kāds darbs, kas palīdzēs cilvēkam atklāt sevi un atklāt apkārtējos. viņu.
I. Dolgopolova teksts
Kā brīnišķīga sen pagājušo laiku atbalss valdzina acis Andreja Rubļeva darbi, kurš atklāja cilvēkiem Krievijas blāvā skaistuma šarmu. Debesu plašums, to lauku zelta ganības, ezeru zilās acis un upju lēnums. Rubļeva glezniecības pravietiskā balss ir tīra, patiesa, nāk no gadsimtu dzīlēm, un mēs, klausoties šo nesteidzīgo stāstu, izjūtam leģendāro Tēvzemes veidošanās laiku, redzam balto akmeņu tempļus, mūri un lepnus torņus. cietokšņi, trokšņaini pārpildītu pilsētu laukumi. Mēs mīlam Rubļeva darbus to retā skaistuma dēļ, jo tajos atpazīstam savu senču dvēseli. Klausieties... un pēkšņi no laika bezdibeņa jūsu priekšā parādīsies sakārtotas ķiveres mirdzošu karavīru rindas, šķēpu mežs, zobenu dzirksti un... sievietes sauciens. Pār sarkano sauli pārskrēja melns nomadu mākonis, lidoja ienaidnieka bultas, un tām nebija gala. Krievija ir redzējusi daudz, daudz rūgtu lietu. Viņas dēls Andrejs Rubļevs atnesa līdz mūsdienām sava laika priekus un bēdas - tajās mokas un pārbaudījumus, ko cilvēki pārcieta. Vai esat dzirdējuši krievu veco baznīcu zvanu skaņas, kad tas peld debeszilās debesīs, un pati zeme šķiet pasakaina, episka. Nāk krēsla, un visas šodienas zīmes pazūd saulrieta tumsā, arvien skaidrāk uztveram vakara zvana skaņas tīrību. Un nav jau sen pagājuši laiki, kad baznīcas tika celtas ar dzenātiem siluetiem, kas harmonizēja ar ainavu. Ir viegli elpot šo medus pilno gaisu, kurā izšķīst savvaļas ziedu un ārstniecības augu aromāts, rūgta ugunskura smarža... Nākamās nakts bezdibenīgajā tumsā iedegas pirmā zvaigzne, un mēs joprojām esam piepildīti. ar runājošu zvanu skaņām, līdz asarām aizkustināts no prieka sazināties ar dzimtenes dabu. Tāda piederības sajūta Tēvzemei rodas, uzmanīgi un neobjektīvi aplūkojot Rubļeva darinājumus. It kā viņos atskan zemes aicinājums, lai gan tā ir pārcietusi grūtības, bet pazinusi arī prieku par krāšņām uzvarām. Pasaulē tapuši daudzi lieliski un grandiozi darbi, neskaitāmi virtuozi meistari, kas apguvuši māksliniecisku zīmēšanu, gleznošanu, kompozīciju, kas radījuši audeklus, kuros darbojas desmitiem figūru. Šo audeklu apjoms dažkārt ir pārsteidzošs, tāpat kā priekšmetu burvība... Taču tikai daži cilvēki šajā tūkstoš spēcīgajā mākslas pasaulē ir radījuši tādus darbus, kas pēc dziļuma ir līdzvērtīgi Rubļevam, ārēji vienkārši, gudri ar šo bezdibenīgo garīgo dziļumu. kas atšķir Puškina un Bloka dzeju, Gļinkas un Musorgska mūziku, Gogoļa, Dostojevska, Tolstoja prozu. Mīlestība pret tuvāko, sirds vienkāršība – tas ir spēks, kas iedvesmoja Andreju Rubļevu radīt nezūdošus šedevrus. Darbs, dzīves skola un māksla viņam palīdzēja tās radīt. Viņa darbos runā nevis rokraksts, triepiens, otas triepiens, bet gan mākslinieka sirds.
Autors. I. Dolgopolovs
