În 1993, psihologul James Cutting a mers la Musée d'Orsay (Paris) pentru a privi pictura lui Renoir „Balul la Moulin de la Galette”, înfățișând parizienii distrându-se și considerată una dintre cele mai mari opere ale impresionismului. Dar, în loc să-l admire pe Renoir, a descoperit brusc că a fost atras ca un magnet de pânza din camera alăturată: priveliștea încântătoare, misterioasă, a acoperișurilor pariziene acoperite de zăpadă.
Nu mai văzuse niciodată acest tablou și nu auzise de autorul ei, Gustave Caillebotte. Asta l-a pus pe gânduri.
Te-ai îndrăgostit vreodată de o carte și ai fost surprins să nu o găsești pe nicio listă de lucrări grozave? Sau să mergi în cerc în jurul unei sculpturi „clasice”, încercând în zadar să-ți dai seama despre ce este toată agitația? Dacă da, probabil că v-ați gândit la întrebarea pe care Cutting și-a pus-o la Muzeul Orsay. 
Primul răspuns care îmi vine în minte este că unele lucrări sunt pur și simplu grozave: sunt de cea mai înaltă calitate. Tablourile care atârnă în galerii în cele mai bune locuri, despre care se preda la școală și care sunt retipărite în cărți, și-au dovedit valoarea artistică, atemporală. Dacă nu înțelegi de ce sunt bune, atunci asta e problema ta. Aceasta este o explicație înfricoșător de clară. Dar unii oameni de științe sociale continuă să pună întrebări incomode, ridicând posibilitatea ca canoanele artistice să fie mai mult decât accidente istorice înghețate.
Cutting, un profesor la Universitatea Cornell, s-a întrebat: Ar putea fi un mecanism psihologic cunoscut sub numele de „efectul de atașament” să fi activat în determinarea locului picturilor în parada culturală? Într-un experiment revoluționar din 1968, oamenilor li s-a arătat o serie de forme abstracte în schimbare rapidă: unele dintre forme au fost repetate, dar pentru că se schimbau frecvent, subiecții nu au observat. 
La Cornell, Cutting a efectuat un experiment similar pentru a-și testa bănuiala. În timpul cursurilor, le-a arătat în mod regulat studenților lucrările impresioniștilor - fiecare timp de două secunde. Printre aceste tablouri se numărau atât cele clasice, incluse în toate manualele de istoria artei, cât și altele de calitate comparabilă, dar mai puțin cunoscute. Acestea din urmă au fost demonstrate de patru ori mai des. La sfârșitul cursului, studenții au început să le prefere lucrărilor clasice, în timp ce grupul de control a rămas fidel clasicilor. Elevii lui Cutting au început să le placă picturile mai simplu pentru că le vedeau mai des.
Cutting crede că acest experiment răspunde la întrebarea cum se formează canoanele. El subliniază că la sfârșitul secolului al XIX-lea, doar cinci sau șase colecționari bogați au cumpărat cele mai răspândite lucrări ale impresioniștilor de astăzi. Preferințele acestor oameni asigurau prestigiul anumitor lucrări, drept urmare acestea erau expuse mai des în galerii și publicate în antologii. De-a lungul anilor, aprobarea a crescut, câștigând viteză datorită „efectului de lipiciitate”. Cu cât vedeau mai mult, să spunem, „Balul de la Moulin de la Galette”, cu atât le plăcea mai mult și cu cât le plăcea mai mult, cu atât pictura apărea mai des în cărți, pe afișe și la expoziții mari. Iar academicienii și criticii au dat explicații științifice pentru superioritatea lor. La urma urmei, în cele din urmă, nu numai masele tind să prețuiască mai mult ceea ce întâlnesc mai des. După cum au remarcat pe bună dreptate artiști contemporani precum Andy Warhol și Damien Hirst, critica este strâns legată de publicitate. „În ceea ce privește efectul de lipiciitate”, spune Cutting, „oamenii de știință nu sunt diferiți de public.” 
În urmă cu câțiva ani, Watts, un angajat Microsoft și expert în dinamica rețelelor sociale, a avut o experiență similară la un alt muzeu din Paris. După ce a stat la coadă pentru a vedea Mona Lisa în carcasa sa de sticlă antiglonț cu temperatură controlată, a plecat de la tablou, nedumerit de ce era considerată atât de mai bună decât celelalte trei tablouri ale lui Leonardo expuse în camera anterioară, despre care nimeni nu părea. să acorde cea mai mică atenție?
Când Watts a răsfoit Istoria celor mai mari picturi din istoria omenirii, a descoperit că Mona Lisa lânceise într-o obscuritate relativă pentru cea mai mare parte a istoriei sale. În anii 1950, Leonardo da Vinci era considerat nimic în comparație cu giganții Renașterii - precum Tițian și Rafael, ale căror lucrări costau de aproape zece ori mai mult decât Mona Lisa. Abia în secolul al XX-lea portretul soției patronului său al lui Leonardo a ajuns pe primul loc în topuri. Și nu noul verdict al academicienilor l-a propulsat acolo, ci un banal jaf.
În 1911, un lucrător de întreținere a Luvru a ieșit din muzeu cu Mona Lisa ascunsă sub salopetă. Parizienii au fost uimiți și revoltați de furtul tabloului, căruia nu i-au acordat prea multă atenție până acum. Când muzeul s-a redeschis, oamenii s-au aliniat pentru a privi spațiul gol în care a atârnat cândva Mona Lisa - pentru a privi cu un interes cu care nu se uitaseră niciodată la tabloul în sine. Poliția era în pierdere. La un moment dat, chiar și un Pablo Picasso speriat a fost chemat la interogatoriu. Însă Mona Lisa a fost descoperită decât doi ani mai târziu, când un tâlhar, un tâmplar italian pe nume Vincenzo Perugia, a încercat să vândă tabloul la Galeria Uffizi din Florența și a fost prins în flagrant. 
Ziarele din întreaga lume au retipărit reproducerile ei, făcând din Mona Lisa primul tablou care a primit recunoaștere internațională. De atunci, ea a întruchipat toată cultura occidentală ca atare. În 1919, când Marcel Duchamp a vrut să distrugă în mod simbolic arta înaltă, a pictat pe barbă de la La Gioconda, care pentru publicul de masă nu a făcut decât să-i întărească statutul de „întruchipare a artei mari” (sau „un exemplu de perfecțiune absolută”, ca criticul Kenneth Clark a descris-o mai târziu). De-a lungul secolului al XX-lea, muzicienii, agenții de publicitate și regizorii au folosit faima filmului în propriile lor scopuri și, potrivit lui Watts, „la rândul său, le-a folosit”. Perugia nu a putut întoarce Mona Lisa în patria sa, dar a reușit să o facă o icoană.
Este puțin probabil ca statutul unic al picturii să poată fi atribuit în întregime calității execuției sale (deși mulți au încercat acest lucru). Ei spun că ochii persoanei descrise „urmează” privitorul. Dar, după cum biograful tabloului Donald Sassoon remarcă sec, „de fapt, acest efect poate fi obținut prin contemplarea oricărui portret”. Duncan Watts sugerează că Mona Lisa este doar întruchiparea supremă a unei reguli generale. Tablourile, poeziile sau cântecele populare se ridică în vârful popularității și se scufundă în obscuritate prin evenimente întâmplătoare sau preferințe care se transformă în valuri de influență care se rotesc de-a lungul secolelor.
„A spune că obiectele culturale au valoare”, a scris Brian Eno odată, „este ca și cum ai spune că telefoanele au conversații”. Aproape toate obiectele culturale pe care le consumăm vin la noi deja echipate cu o evaluare prestabilită; preferințele noastre sunt într-un anumit sens întotdeauna străine. Privitorii Mona Lisei știu că vin să privească cea mai mare pictură din lume și se îndepărtează de ea cu admirație naturală - sau dezamăgire. 
Shamus Khan, sociolog la Universitatea Columbia, consideră că definiția noastră pentru „mare” depinde la fel de mult de preocupările privind statutul, cât și de valoarea artistică a obiectului. El subliniază că în America secolului al XIX-lea granița dintre arta „înaltă” și „joasă” era abia vizibilă. Ideea magnatului oțelului de o seară distractivă ar putea include atât cântatul de operă, cât și un spectacol de jongleri. Dar la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, bogații au fost atrași într-o luptă pentru statut, căutând să-și afirme superioritatea față de clasa de mijloc în creștere. Așa că au început să se definească prin conceptul definit mai restrâns de „artă înaltă”. A cumpăra o cutie la operă sau a începe să colecționezi impresioniști - acestea erau modalități de a-ți consolida poziția în clan.
Deși împărțirea rigidă a artei în înaltă și joasă a dispărut în anii 60, încă folosim cultura ca un marker de identitate, deși mai puțin direct. Moda actuală a eclectismului – „Ascult pe Bach, ABBA și Jay Z” – este, potrivit lui Khan, o nouă modalitate prin care boemii burghezi să se disocieze de ceea ce ei consideră preferințele „înguste” ale păturilor inferioare ale societății.
În astfel de situații, calitatea reală a unei opere de artă începe să pară atributul ei cel mai puțin important. Cu toate acestea, poate că este încă mai semnificativ decât admit cercetătorii noștri sociali. În primul rând, lucrarea trebuie să aibă o anumită calitate pentru a se califica pe primul loc în topuri. Poate că Mona Lisa nu este cea mai bună pictură din lume, dar a fost încă expusă la Luvru și pentru un motiv. 
Compară To Be or Not to Be, o întruchipare inexplicabilă a conștiinței gânditoare, plină de îndoieli, ezitări și intuiții, cu orice monolog al lui Marlowe sau Webster - iar Shakespeare se trezește imediat într-o ligă a lui. Watts ar putea spune că mă înșel, la fel ca nenumărați cititori și cercetători care au ajuns la aceeași concluzie. Dar ce explicație a măreției lui Shakespeare ar fi mai modestă?
Un studiu publicat în British Journal of Aesthetics susține că „efectul de atașament” operează diferit în diferite situații și oferă răspunsuri diferite la întrebarea cu privire la principiile formării canoanelor estetice. Pe baza experimentului lui Cutting, oamenii de știință au arătat în mod repetat la două grupuri de studenți lucrările a doi artiști, prerafaelitul britanic John Everett Millais și populistul american Thomas Kinkade. Scenele pastorale colorate ale lui Kinkade sunt kitsch pur, „standardul de aur” al artei proaste. Oamenii de știință au concluzionat că participanții la experiment au început să le placă mai mult Millet, așa cum ați putea ghici din „efectul de atașament”. Dar, treptat, au început să le placă mai puțin Kinkade. Adică, în timp, „efectul de atașament” ajută la identificarea unui autor mai talentat.
Oamenii de științe sociale au dreptate că trebuie să menținem un anumit grad de scepticism față de cei mari și că nu ar trebui să uităm niciodată să ne uităm alături. Chiar și experții pot confunda marea artă și mediocritatea. Dar de aceea ar trebui să vedem – și să citim – cât de mult putem. Cu cât ni se arată mai bine și mai mult rău, cu atât mai bine vedem diferența. Și eclecticii au înțeles asta.
- Știu, oh. Alexy, că consideri poezia ta o continuare a activității tale pastorale, așa că te voi întreba: cum combini arta și credința - fără probleme? Într-adevăr, timp de multe secole, creativitatea și religiozitatea s-au opus între ele în secolul al XVI-lea, se pare, primul a fost chiar scris, „Apărarea poeziei” - D. Boccaccio l-a apărat pe Dante însuși de atacuri; De ce creativitatea este atât de des „demonizată” de către reprezentanții sectelor?
„Astăzi avem tot dreptul să afirmăm că opoziția dintre artă și credință este în mare măsură o problemă exagerată. Da, în Occidentul catolic, relația dintre artă și credință, știință și credință, a devenit adesea foarte tensionată. În același timp, cultura bisericească din Orientul ortodox a atins apogeul tocmai datorită implicării depline a artei laice în slujba ei. Exemple în acest sens vedem nu numai în iconografie, arhitectura bisericească, capodopere ale ustensilelor liturgice, ci și în literatură, în special în poezie. Să ne amintim că în limbajul poeziei, și nu în proză, sunt scrise multe cărți ale Sfintei Scripturi, o serie de lucrări patristice, ca să nu mai vorbim de liturghie, care în limba greacă originară aparține în întregime poetice. formă. Capodoperele poeziei bisericești pot fi numite și capodopere ale artei poetice, dacă le evaluăm după standarde pur seculare (în același mod, icoanele marilor noștri pictori de icoane sunt recunoscute chiar și de atei drept capodopere ale artei mondiale, și nu doar arta bisericească ). Așa ar trebui să fie. Se pare că poezia poate fi atât remarcabilă după standardele artei seculare, cât și 100% ortodoxă. Unul nu interferează deloc cu celălalt.
Văd două motive principale pentru care creativitatea este uneori „demonizată” de către membrii clerului. Pe de o parte, au existat și sunt mulți scriitori talentați care contrastează în mod clar opera lor nu numai cu Biserica, Adevărul Divin, ci și cu valorile morale universale. Făcând acest lucru, ei discreditează în mod semnificativ comunitatea literară seculară în ansamblu. Pe de altă parte, sunt adesea reprezentanți ai clerului care se angajează să critice literatura laică fără a avea o cunoaștere suficient de profundă a subiectului. Fructele unei astfel de incompetențe sunt foarte triste: în căldura criticilor, scriitorii „vinovați” sunt amestecați cu cei „nevinovați”, culorile sunt îngroșate, contexte semantice negative sunt căutate artificial în lucrări, pe care autorul însuși poate nici nu le-a bănuit. .
Trebuie să ne amintim mereu: dacă un preot se angajează să critice vreo lucrare literară sau teorie științifică, atunci pentru o critică deplină, preoția și cunoștințele de teologie ortodoxă nu sunt suficiente și în domeniul în care este îndreptat reproșul său; Incompetența clerului individual în acest caz aruncă o umbră asupra întregii Biserici și subminează încrederea publicului în ea.
- Sau poate este vorba despre libertatea profundă a unei persoane creative, pentru că este subordonată doar inspirației - adică raiului? Poate că aceasta este frica de procesul de creație necontrolat de oameni?
„Trebuie să înțelegem că un scriitor, mai ales un poet, în operele sale vorbește despre cele mai intime lucruri, revarsă cititorului ceea ce se întâmplă în adâncurile sufletului său. Dacă încerci să ascunzi cu pricepere ceea ce se întâmplă în suflet, atunci roadele creativității își vor pierde din vitalitate (deși un scriitor trebuie să aibă un anumit filtru spiritual și moral). Știm că scriitorii nu sunt oameni sfinți și, adesea, nici măcar foarte spirituali. Deci, întotdeauna există ceva de plâns. Dacă ne iei pe oricare dintre noi, credincioșii, și dezvăluiți tot ce este ascuns în sufletul vostru, atunci cei mai mulți se vor rușina. Prin urmare, în opinia mea, este extrem de neînțelept să găsim greșeli la lucruri mărunte în operele literare. Este mai util să învățăm să scoatem de la ei ceea ce ne poate fi de folos. Este o altă problemă când ne confruntăm cu lupta conștientă și deschisă împotriva lui Dumnezeu a oamenilor creatori, cu predicarea deschisă a viciului.
În critica pozitivă a artei seculare din partea Bisericii, nu poate fi loc pentru teama de „libertatea persoanei creatoare”.
— Ce vă oferă creativitatea personal?
— Creativitatea mă învață să iau mai în serios cuvântul meu pastoral, iar când scriu opere poetice, caut răspunsuri la întrebări importante care se ridică înaintea mea, atât ca persoană, cât și în fața unui păstor. În plus, creativitatea îmi îmbogățește viața cu experiențe noi și întâlniri cu oameni interesanți.
— Ce învață un cioban de la un poet?
„Cred că cele mai importante calități ale unui poet adevărat: deschiderea față de ascultător, slujirea dezinteresată a binelui și adevărului prin cuvânt, atitudinea fără compromis față de rău, viciile puternice și sociale – ar trebui să fie inițial prezente în fiecare pastor al Bisericii. În viața mea se dovedește că viziunea ortodoxă asupra lumii și păstoritul îl ajută pe poet, și nu invers.
— După părerea dumneavoastră, ce pierde un predicator abandonând complet arta?
„Arta adevărată înalță sufletul uman și dezvoltă gustul pentru frumos. Dacă un pastor ignoră complet arta seculară, atunci, în practică, el nu poate evalua în mod adecvat arta bisericească. În plus, s-ar putea să nu găsească un limbaj comun cu un număr de enoriași pentru care arta seculară și realizările ei înseamnă ceva în viață. Din p splendoarea Casei lui Dumnezeu.
„Mi se pare că există un alt pericol.” Sunt, de exemplu, iubitori de creativitate care o cultivă în ei înșiși cu neînțelepciune, până la pierderea minții. Este ca și cum ar adora idolul creativității din ei înșiși. Cum te poți asigura împotriva acestei boli?
„Numai viața spirituală corectă a unei persoane o poate proteja de acest pericol.” Noi, ortodocșii, știm că darul creator este dat de Dumnezeu. În unire cu Domnul, este necesar atât gestionarea acestui dar, cât și sporirea lui. Domnul îi va ajuta cu siguranță pe cei care caută să înțeleagă cum să-și îndrepte darurile în folosul lor și al aproapelui lor. Iar cei care se străduiesc să folosească darul lui Dumnezeu fără Dumnezeu, doar la propria discreție, se confruntă foarte des cu un dezastru creativ sau de viață.
— Se dovedește că creativitatea poate fi o ispită, precum bogăția, puterea, puterea, frumusețea? Cum vă puteți verifica dacă capul „nu a zburat de pe umeri” în timpul unui zbor creativ, dacă acest zbor a fost efectuat „pe o mătură”?
— Creativitatea îmbrățișează pe deplin atât sfera externă, cât și cea internă a activității umane și, prin urmare, există și mai multe ispite pe această cale decât, de exemplu, atunci când dobândești bogăție, deține putere și autoritate pământească. Dacă ștacheta pentru spiritualitatea unei persoane este scăzută, este foarte ușor să justificați orice acțiuni nepotrivite comise de dragul roadelor creativității cuiva. Cele mai distructive pasiuni pentru o persoană creativă sunt mândria și vanitatea, a căror dezvoltare duce la o supraestimare a propriei personalități și a semnificației acesteia în soarta umanității, la o percepție inadecvată a criticii și autorităților. Smerenia creștină, dorința de a împlini voia lui Dumnezeu - aceasta este garanția că în zborul creator atât capul, cât și inima rămân pe loc.
—Care sunt semnele poeziei și operelor de artă în general de origine demonică? Cum diferă efectele lor asupra sufletului uman?
— Arta de la Dumnezeu înalță sufletul unei persoane, ajută să se stabilească în bunătate și să găsească răspunsuri la întrebările importante ale vieții. Arta de origine demonică, dimpotrivă, aprinde pasiunile într-o persoană, seamănă îndoieli în sufletul său cu privire la Dumnezeu și cele mai înalte valori morale și duce la un capăt mort al tristeții și descurajării. Sfânta Evanghelie ne învață să judecăm un pom după roadele lui.
— Ce le-ați spune credincioșilor care consideră că toată ficțiunea este dăunătoare sufletului și sunt gata să-i ardă pe rug chiar și pe clasici?
— În secolele al IV-lea și al V-lea de la Nașterea lui Hristos, sfinții părinți ai Bisericii au studiat literatura păgână și au găsit această moștenire foarte utilă, învățând să extragă tot ce este mai bun din ea și să respingă erorile. Prin urmare, o persoană care consideră chiar și clasicii ruși dăunători sufletului, care își are unul dintre fundamentele în viziunea ortodoxă asupra lumii și în valorile creștine generale, îi găsește pe sfinții părinți și istoria veche de secole a Bisericii drept exponatori ai erorii sale.
— Părinte Alexy, acum cea mai dificilă întrebare: care este poezia ta preferată?
— Cred că aceasta este o poezie din „Mama”:
Eu - din mâinile grijuliilor și ale purității,
Uitând de somn, de cursul obișnuit al zilelor,
M-ai hrănit cu dragoste dezinteresată
Din leagănul meu mic.
Am crescut repede. Este totul așa cum ar trebui să fie?
Te-ai ținut tare, păstrând lumina speranței...
Nu cunoșteam nicio altă privire pe pământ,
Care m-a primit atât de binevoitor.
Dar, devenit adult, este ocupat cu el însuși,
Pentru tine, îngerul meu, spiritul meu s-a răcit.
Despre cel mai apropiat, trimis de soartă,
În cercul grijilor mi-am amintit doar pe scurt.
Iartă-mă asta într-o zi grea, furtunoasă
Eram departe și frica ta nu știa;
De ce ai așteptat atât de mult, așa degeaba
Cuvinte de afecțiune filială pe buze.
Îmi pare rău că am trăit cu atât de puțină consolare,
Nu ține greșelile mele în inima ta.
Îmi pare rău...
Iartă-mă pentru tot, dragă,
Și amintiți-l înaintea Creatorului în rugăciunile voastre.
Cât de fericit sunt că în această lume rebelă,
Te-am cunoscut de la ușile vieții
Cel mai bun, cel mai sincer și blând -
Iubita mea mama însăși.
— Și din cele scrise de alții? Există o poezie „străină” care este la fel de aproape de tine ca a ta, sau poate chiar mai aproape? De ce anume asta?
— Am început să scriu poezie în copilărie. Viziunea asupra lumii și atitudinea mea față de poezie s-au schimbat dramatic de mai multe ori în această perioadă, ceea ce înseamnă că și „poezia mea preferată” s-a schimbat. Astăzi pot numi poemul lui Pușkin „Monument” ca atare, care conține următoarele rânduri:
Prin porunca lui Dumnezeu, muză, fii ascultător,
Fără teamă de insultă, fără a cere o coroană;
Lauda și calomnia au fost acceptate indiferent,
Și nu te certa cu un prost.
Aceste câteva cuvinte conțin principiul de bază al creativității din perspectiva viziunii ortodoxe asupra lumii.
— Ce face o operă o capodoperă?
— Acest concept poate fi abordat din diferite unghiuri. După părerea mea, o lucrare poate fi considerată o capodoperă dacă a devenit aproape și dragă pentru o gamă largă de cititori și s-a dovedit capabilă să schimbe în bine sufletele oamenilor, umplându-i cu sentimente și experiențe înalte. Dacă există cele de mai sus, erorile și neajunsurile minore ale unei opere literare nu o pot priva de piedestalul pe care îl merită. Deși, fără îndoială, ridicarea la rangul de capodoperă presupune un nivel destul de ridicat de pricepere literară a autorului său.
Intervievat de Svetlana Koppel-Kovtun
Capodoperă
[shede], -y, m.
1) În Europa occidentală medievală: un produs artizanal exemplar care, conform obiceiurilor breslei din multe orașe, trebuia realizat de un ucenic pentru a-și dovedi priceperea profesională și capacitatea de a deveni un maestru independent.
2) O operă de artă și literatură excepțională în merite; o creație exemplară a unui maestru.
Capodopere ale artiștilor Renașterii.
Restaurarea unei capodopere după un act de vandalism.
O capodopera a arhitecturii.
O capodopera poetica.
O capodopera a artei culinare.
Acolo [în biserici și mănăstiri] capodopere s-au pierdut, dar unele au fost salvate. Sunt mai ales mândru de Maica Domnului din Suzdal ( Proskurin) .
Sinonime:
miracol
3) trans. O creație unică a naturii.
Nu sunt modelele geroase pe sticlă o capodopera?
4) descompunere , glumind sau fier. O lucrare inexpresivă, mediocră, priveliște, fenomen inestetic al vieții etc.
Mai scrii o capodopera? O capodopera a managementului defectuos.
Și cu cât el însuși îi plăcea mai mult capodopera standard [propul său vers din Gazeta], cu atât mai deplin și mai dulce a putut să o citească pentru alții ( Nabokov) .
Etimologie:
Din francez chef-d „ûuvre ‘work, demn de un maestru', 'capodoperă' ( ← bucătar „cap”, „șef”, „stăpân” și ûuvre „muncă”, „muncă”). În rusă - de la mijlocul secolului al XIX-lea. Cu toate acestea, în formă ea-d "evr- în dicționarul din 1806
Dicționar popular al limbii ruse. Explicativ și enciclopedic. - M.: Limba rusă-Media. A.P. Guskova, B.V. Sotin. 2003 .
Sinonime:Vedeți ce este o „capodopera” în alte dicționare:
capodoperă- a, m. chef d oeuvre. 1. Ea d evr. Aceasta denotă o muncă de încercare a unui meșter, o experiență de pricepere și artă. ian. 1806. 2. O lucrare exemplară. BAS 1. Cea mai bună și mai performantă lucrare către perfecțiune. Este folosit...... Dicționar istoric al galicismelor limbii ruse
capodoperă- Vezi cel mai bun... Dicţionar de sinonime
CAPODOPERĂ- cea mai bună operă de artă de acest gen, în general o operă exemplară. Un dicționar complet de cuvinte străine care au intrat în uz în limba rusă. Popov M., 1907. capodopera (bucătar francez doeuvre) 1) în atelierele medievale un produs exemplar care ... ... Dicționar de cuvinte străine ale limbii ruse
CAPODOPERĂ- (French chef d oeuvre) ..1) un produs exemplar, care în multe ateliere medievale trebuia realizat de un meșter care caută să devină maestru, să-și dovedească priceperea profesională2)] O lucrare exemplară este cea mai înaltă... . .. Dicţionar enciclopedic mare
CAPODOPERĂ- [de], ah, soț. (carte). O operă de artă excepțională în merite, o creație exemplară a unui maestru. sh literar. Capodopere ale arhitecturii. Dicționarul explicativ al lui Ozhegov. SI. Ozhegov, N.Yu. Şvedova. 1949 1992... Dicționarul explicativ al lui Ozhegov
Capodoperă- (bucătar francez) 1) un produs exemplar, care în multe ateliere medievale a fost cerut unui meșter care căuta să devină un maestru independent pentru a-și dovedi priceperea profesională; 2) o lucrare exemplară - cea mai înaltă... ... Enciclopedia Studiilor Culturale
capodoperă- și o capodoperă învechită. Pronunțat [capodopera]. Unii savanți ruși, pe la mijlocul secolului al XX-lea, au preferat capodopera pronunției, ca fiind mai caracteristică limbii franceze, din care a fost împrumutat acest cuvânt... Dicționar de dificultăți de pronunție și stres în limba rusă modernă
Capodoperă- O capodoperă sau capodoperă (bucătarul francez d œuvre, literalmente „cea mai înaltă lucrare”, „coroana muncii”) este o creație unică, de neîntrecut, cea mai înaltă realizare a artei, a măiestriei sau orice altceva. Capodoperele sunt cel mai adesea numite opere... ... Wikipedia
capodoperă- o adevarata capodopera... Dicționar de idiomuri rusești
capodoperă- în Franța medievală, începând din secolul al XIII-lea, această combinație de sunet nu era un cuvânt, ci o expresie întreagă, adică „un produs făcut de un student și care îi dă dreptul de a fi numit maestru”. Probabil, astfel de lucrări de examen s-au făcut la Gimnazial... ... Dicționar etimologic distractiv
Cărți
- Capodopera lui Chester, Watt M., Capodopera lui Chester ISBN:978-5-905845-05-5… Categorie: Pentru copii Editura: Diamond Media, Producator: Diamond Media, Cumpărați pentru 157 UAH (numai Ucraina)
- Capodopera, Miranda Glover, Noul proiect al artistei populare Esther Glass devine o senzație în lumea artei. Ca o capodoperă, ea se prezintă... la licitația Sotheby's: într-o săptămână de la vânzare, ea... Categorie:
Arta contemporană nu are limite și criterii stricte. Dimpotrivă, încalcă toate convențiile posibile. Dar atunci, cum să nu fii confuz într-un subiect atât de complex, cum ar fi cum să înțelegi care artist este un geniu și cine este pur și simplu un maestru al artei șocante? Să încercăm să ne dăm seama împreună cu Forbes.
O adevărată operă de artă are o serie de criterii ușor de recunoscut.
Inovaţie. După cum știți, geniile încalcă legile stabilite. Sunt idei inovatoare, originalitate, o privire proaspătă chiar și asupra lucrurilor banale care disting arta de meșteșuguri. Naturile moarte și peisajele tradiționale, ale căror canoane nu s-au schimbat de secole, sunt cu siguranță frumoase, dar totuși acest lucru nu este suficient. Un artist modern încearcă întotdeauna să depășească standardele acceptate și să găsească noi mijloace de exprimare.
Un exemplu izbitor de inovație este opera lui Georg Baselitz. În operele sale expresioniste este adevărat opusul. El pune pe fundal personajele principale ale pânzelor sale, răsturnând imaginile cu susul în jos. Experimentele constante îndrăznețe, pe care doar un nebun sau un geniu le-ar putea îndrăzni să le întreprindă, au fost cele care i-au adus artistului faima în întreaga lume.
Georg Baselitz "La revedere"
Măiestrie- al doilea semn foarte important. Arta ar trebui să încânte. Cu cât lucrarea este mai bună și mai complexă, cu atât valoarea ei este mai mare. În zilele noastre oamenii sunt uimiți nu doar de o idee, ci de un lucru greu de repetat, pentru care s-a cheltuit mult timp, muncă, material și bani.
De exemplu, lucrările geniale ale lui Alexander Calder. Telefoanele sale mobile - creații cinetice conduse de vânt sau electricitate - arată fabulos și lipsite de greutate. Telefoanele mobile nu sunt doar inovația lui Calder, ci și o combinație de forță de muncă, inginerie și gândire artistică și înaltă calificare.
La expoziția de lucrări ale lui Alexander Calder
„Concept spațial” de Lucio Fontana
Sens. Doar un lucru frumos, neobișnuit, complex - un obiect de design. O operă de artă aparține categoriei spirituale, așa că trebuie să poarte un anumit mesaj și să aibă un sens profund.
Lucio Fontana. Se părea, care ar putea fi sensul pânzelor tăiate? Dar dacă săpăm mai adânc, în fața noastră se desfășoară o întreagă dramă. Pânza tăiată este despre disperarea artistului, este despre criza din viața fiecăruia dintre noi, despre o încercare de a distruge pânza realității. Fontana scria: „Fliturile mele... sunt, în primul rând, o expresie filozofică, o manifestare a credinței în infinit, o afirmare a principiului spiritual. Când mă așez în fața uneia dintre fante și încep să o contempl, deodată simt că spiritul meu este eliberat, mă simt ca o persoană care a scăpat din cătușele materiei, aparținând întinderii nesfârșite a prezentului și a viitor..."
Interactivitate. Cu această tehnică, privitorul devine coautor și ia parte activă în procesul de creație. O operă de artă modernă este întotdeauna un fel de mister, ambiguitate, o întrebare deschisă la care fiecare trebuie să răspundă singur. Un alt exemplu de interactivitate este crearea unei atmosfere atunci când o operă de artă absoarbe literalmente privitorul în lumea sa.
Tracey Emin a arătat lumii ceva foarte personal și intim. Celebra instalație a lui Tracy „Patul meu” spune povestea unei perioade de depresie din viața artistului. Astfel, privind această lucrare, privitorul se află în atmosfera camerei lui Tracy și devine martor la secretul altcuiva.
Tracey Emin "Patul meu"
Relevanța socială. Arta contemporană ridică probleme sociale stringente, se revoltă, se ceartă, protestează. Acesta este un mod de reflecție pentru societate, o oglindă în care se privește civilizația noastră.
Edward Burtynsky arată cum umanitatea creează un nou model pentru planetă. În fotografiile sale, clădirile industriale, deșeurile periculoase, structurile industriale se transformă în dantelă delicată, combinații geometrice perfecte și complexe. Artistul prezintă o imagine dinamică a interacțiunii dintre natură și industrie. Lucrările sale au o semnificație planetară. Un film documentar uimitor, „Manufactured Landscapes”, a fost realizat pe baza lucrării lui Burtynsky.
Edward Bertinsky, fotografie din seria „Apă”. Râul Tjorsa, Islanda.
Banksy. Acest artist pictează pereții străzilor cu tablouri de actualitate care critică aspru evenimentele socio-politice din lume. Dar Banksy a devenit popular nu numai datorită relevanței și priceperii sale. Picturile sale murale sunt recunoscute la prima vedere. Stilul de semnătură al lui Banksy este folosirea șabloanelor. Datorită acestei caracteristici, lucrările artistului celebru mondial se disting de arta huliganilor locali. Apropo, picturile Banksy clasificate drept „vandalism” cresc semnificativ valoarea proprietății pe care se află. Multe dintre lucrările lui Banksy sunt ilegale, așa că artistul este obligat să-și ascundă identitatea.
Multe dintre lucrările lui Banksy sunt ilegale, așa că artistul este obligat să-și ascundă identitatea
Din seria de lucrări „Death Masks” a lui Reiner.
Psihologism- un semn apropiat de sens. Dar afectează nu doar sfera informațională, ci și cea emoțională. Astfel de lucrări trezesc emoții profunde, fac apel la senzualitate, la subconștientul privitorului. De exemplu, Arnulf Rainer arată diversitatea și complexitatea naturii umane. Picturile sale atrag și sperie, atingând straturile profunde ale subconștientului nostru. Reiner atinge subiecte tabu - moartea, religia - și distruge dramatic toate interdicțiile. Această creativitate este mereu în pragul nebuniei, în pragul a ceea ce poate rezista psihicul.
Armonia compozițională. Integritatea și completitudinea lucrării este unul dintre cele mai importante criterii. Un artist modern își elimină creația de toate lucrurile inutile, încercând să o facă cât mai exactă și concisă posibil. De exemplu, lămpile minimaliste ale lui Dan Flavin sunt întotdeauna lucrări armonioase și magice.
Una dintre fantasticele instalații de lumină ale lui Dan Flavin
Eseul pentru examenul unificat de stat:
Artă. Există un număr mare de picturi în lume de diferite genuri, direcții și autori. Dar doar câteva dintre ele te fac să te gândești la tine, la viață și să regândești unele dintre momentele ei. Ce face ca opera unui autor o capodopera a creatorului? Răspunsul la această întrebare ne este dat de textul lui I. Dolgopolov.
Analizând această problemă, autorul pictează imagini cu „frumusețea slabă a Rusiei”. „Pășuni de aur, ochi albaștri ai lacurilor, temple-lebede din piatră albă” - fiecare dintre aceste detalii ajută la înțelegerea cât de aproape ar trebui să fie un artist de țara, istoria, oamenii lui, astfel încât vocea pură, adevărată, profetică a creatorului „ avea să ajungă la el din adâncul secolelor” urmaşi.
Un rol important al textului este ocupat de contrastul dintre „maeștrii virtuoși care au stăpânit o tehnică de desen aristocratică” și creatorii ale căror lucrări sunt în exterior simple, dar pline de „profunzime spirituală fără fund”. Nu este o coincidență că numele marelui Pușkin, Glinka, Dostoievski apar în partea finală a argumentului - așa că I. Dolgopolov convinge cititorul că în opera oricărui creator cel mai important lucru nu este „scrierea de mână, accidentul vascular cerebral sau lovitură de pensulă, ci inima.”
După ce am citit și analizat acest text, mi-am dat seama că autorul conduce cititorul la următorul gând: capodoperele creatorului ar trebui să fie pline de un sentiment de apartenență la Patrie. Publicistul nu are nicio îndoială că doar „dragostea pentru aproapele și simplitatea inimii” pot motiva un artist să „creeze capodopere care nu se estompează”.
Punctul de vedere al autorului este apropiat și de înțeles pentru mine. De asemenea, sunt încrezător că munca unui adevărat creator ar trebui să lase o urmă de neșters pe sufletul unei persoane și să ajute o persoană să se uite în jur, să vadă oamenii din apropiere și să le înțeleagă problemele.
Pentru a-mi dovedi punctul de vedere, aș dori să apelez la lucrarea lui K. Paustovsky „Bătrânul bucătar”. Autorul vorbește despre un bătrân orb, pe moarte. Împreună cu eroul, trăim dureri profunde de conștiință și așteptăm alinarea suferinței. În mod surprinzător, această lansare vine cu muzica unui tânăr străin, care îl ajută pe orb să se întoarcă în zilele tinereții sale, să-și întâlnească iubitul și să vadă flori albe înflorind într-o livadă veche de meri. Citind povestea lui Paustovsky, înțelegem că muzica marelui Mozart a făcut o impresie atât de puternică și a calmat sufletul muribundului.
Argumentându-mi poziția, aș dori să citez ca exemplu povestea lui A. Kuprin „Brățara granat”. Povestea Verei Sheina și Jheltkov a făcut posibil să vedem că sonata Beethoven a jucat un rol foarte important în relația eroinei cu bărbatul îndrăgostit de ea. Împreună cu prințesa, ascultăm piesa muzicală care a fost menționată în mesajul pe moarte pe care a primit-o și simțim cât de mare este admirația lui liniștită. În sunetul acordurilor vine sentimentul unei iubiri eterne care a trecut, repetându-se doar o dată la o mie de ani. Această muzică este atât de inspirată de Kuprin încât prin ea sunt transmise gândurile lui Jheltkov: „Calmează-te, dragă, calmează-te, calmează-te...”
Artă. Piese de teatru de P.I. Ceaikovski, tablouri de V. Vasnețov, pagini de neuitat ale romanelor lui L. Tolstoi - tipul și genul de artă nu este la fel de important ca faptul că în viața fiecăruia apare o lucrare care va ajuta o persoană să se dezvăluie și să-i dezvăluie pe cei din jur. l.
Text de I. Dolgopolov
Ca un ecou minunat al vremurilor demult apuse, creațiile lui Andrei Rublev, care a dezvăluit oamenilor farmecul frumuseții slabe a Rus’ului, captivează privirea. Întinderea cerului, pășunile aurii ale câmpurilor sale, ochii albaștri ai lacurilor și încetineala râurilor. Vocea profetică a picturii lui Rublev este pură, veridică, venită din adâncurile secolelor, iar noi, ascultând această poveste fără grabă, simțim vremea legendară a formării Patriei, vedem temple din piatră albă, creneluri și turnuri mândre ale cetăților. , piețe zgomotoase ale orașelor aglomerate. Iubim creațiile lui Rublev pentru frumusețea lor rară, pentru că recunoaștem în ele sufletul strămoșilor noștri. Ascultă... și deodată, din abisul timpului, șiruri ordonate de războinici strălucitori de coif, o pădure de sulițe, scânteierea săbiilor și... strigătul unei femei vor apărea în fața ta. Un nor nomad negru a alergat peste soarele roșu, săgețile inamicului au zburat și nu aveau sfârșit. Rus' a văzut multe, multe lucruri amare. Fiul ei Andrei Rublev a adus până în prezent bucuriile și necazurile timpului său - în ele chinurile și încercările pe care le-a îndurat poporul. Ai auzit sunetul clopotelor vechilor biserici din Rus', când plutește pe cerul azur, iar pământul însuși pare fabulos, epic. Se apropie amurgul, iar toate semnele zilei de azi dispar în întunericul apusului, percepem din ce în ce mai clar puritatea sunetului clopotului de seară. Și nu este că vremurile au trecut de mult când bisericile erau construite cu siluete urmărite care se armonizau cu peisajul. Este ușor să respiri în acest aer plin de miere, în care se dizolvă aroma florilor și ierburilor sălbatice, mirosul amar al focurilor... Prima stea se aprinde în întunericul fără fund al nopții care vine și suntem încă plini. cu sunetul clopotelor care vorbesc, emoționați până la lacrimi de bucuria de a comunica cu natura patriei lor. Un astfel de sentiment de apartenență la Patrie se trezește atunci când privești cu atenție și părtinire creațiile lui Rublev. Parcă se aude în ei chemarea pământului, deși a îndurat greutăți, dar a cunoscut și bucuria victoriilor glorioase. În lume au fost create multe creații mărețe și grandioase, nenumărați maeștri virtuoși care au stăpânit desenul artistic, pictura și compoziția, care au creat pânze în care acționează zeci de figuri. Amploarea acestor pânze este uneori uimitoare, la fel ca încântarea subiectelor... Însă puțini oameni din această lume a artei cu o mie de oameni au creat lucrări la fel de profunzime de perspicacitate cu Rublev, în exterior simple, înțelepte cu acea adâncime spirituală fără fund. care distinge poezia lui Pușkin și Blok, muzica lui Glinka și Musorgski, proza lui Gogol, Dostoievski, Tolstoi. Dragostea pentru aproapele, simplitatea inimii - aceasta este forța care l-a inspirat pe Andrei Rublev să creeze capodopere care nu se estompează. Munca, școala vieții și arta l-au ajutat să le creeze. În lucrările sale, nu scrisul de mână, trăsura, tul de pensulă vorbește, ci inima artistului.
De. I. Dolgopolov
